Der Künstler Mufasa aus Long Beach ermutigte Jugendliche und Erwachsene, ihre Kreativität in einem Park zum Ausdruck zu bringen. Inspirieren Unser wöchentlicher E-Newsletter berichtet über Kunst und Getty-Aktivitäten. Jetzt! Mufasa, Mister Toledo und Josh Garcia legten große weiße Papierbögen mit Farben und Pinseln bereit. Nach ein paar Stunden war das Papier mit bunten Gesichtern, Palmen, der Queen Mary und vielem mehr bedeckt.

Mufasa wünscht sich, dass Kunst interaktiv, inklusiv und jugendfreundlich ist, so wie diese Aktivität bei der Gemeinschaftsveranstaltung Getty 25 in Long Beach. Mufasa war einer von Dutzenden junger Künstler, die an den zehn Veranstaltungen des Getty Centers teilnahmen, um das 25-jährige Bestehen des Getty Centers und die lebendige Kultur von LA zu feiern.

Diese Fachleute sehen eine gemischte Zukunft. Selbst Nicolas Poussin, der „Vater des französischen Klassizismus“, kämpfte darum, von kulturellen „Gatekeepern“ wie Museen und Galerien bezahlt und anerkannt zu werden. „Museen müssen sich demütig zeigen und sich mit dem beschäftigen, was Kinder, Jugendliche und junge angehende Künstler tun, und Wege finden, ihre Stimmen zu Gehör zu bringen“, sagte Mufasa, bevor er grüne und rosa Striche auf das Papier setzte. „Viele talentierte Künstler.“

Kunst wird sozial

Junge Künstler können die sozialen Medien nicht ohne sie nutzen. Instagram, Facebook und Twitter helfen ihnen zwar dabei, mit anderen Kreativen in Kontakt zu treten, ihre Werke auszustellen und ihre Werke direkt an ihre Fans zu vermarkten und zu verkaufen, doch es gibt auch Herausforderungen. Smartphones und soziale Medien haben die Aufmerksamkeitsspanne der Menschen verkürzt, wodurch es schwieriger wird, sich mit Kunst zu beschäftigen, so Mufasa.

Der Musiker und Filmemacher Aldre‘ Williams, der bei der Getty-Veranstaltung in Koreatown zusammen mit dem Künstler RFX1 einen Malkurs wie den in Long Beach abhielt, sagte, dass es durch die sozialen Medien einfacher geworden sei, Kunst zu produzieren, aber schwieriger (und weniger lukrativ), etwas Besonderes zu schaffen. Algorithmusgesteuerte Trends und „populäre Inhalte“ inspirieren, aber homogenisieren.

Im Moment gibt es zu viel Kunst. „Ich habe das Gefühl, dass es einem nicht erlaubt ist, sich zu entfalten, wenn man nicht in einer bestimmten Sparte arbeitet“, so Williams. „Wenn man schwarz ist, muss man einen Trap-Song mit einer Kette und Waffen schreiben“, bemerkte er. „I can’t be multi.“

Die Dekonstruktion des Museums

Neue, leichter zugängliche Formen der Kunst haben dank der Entwicklung digitaler Werkzeuge weite Verbreitung gefunden. Die Autorin, Performerin und Grafikdesignerin Féi Hernandez, die auf dem Getty-Festival in Inglewood einen Stand hatte, ließ sich von der jüngsten Takashi-Murakami-Ausstellung im Broad Museum inspirieren, die Barcodes enthielt, die beim Scannen mit einem Smartphone zu weiteren Bildern führten.

Hernandez argumentierte, dass dies besonders für marginalisierte Gemeinschaften wie die Queer- und Transgender-Gemeinschaft sowie People of Color von Vorteil wäre, die sich in herkömmlichen Museen nicht immer willkommen fühlen.Was wäre, wenn wir diese Abstufungen, wer Zugang zu einem bestimmten Gebiet hat, dekonstruieren würden und was passiert, wenn ein Barcode mitten auf der Straße oder an einem Baum angebracht wird? „Was wäre, wenn sich der Centinela Park in ein von der Gemeinschaft kuratiertes Freilichtmuseum verwandeln würde?“

Der Weg nach vorn

Der Wandmaler RFX1 sagte, dass er sich nach von der Stadt finanzierten Jobs umschaut, weil sie in der Regel gut bezahlt werden und er lieber für die Stadt arbeitet. Auf dem Koreatown-Festival präsentierte Kiara Oliver eine große Auswahl an Kunstwerken und Kleidung ihrer Firma Kats and Dragons. Sie erklärte jedoch, dass sie ihr Unternehmen als „Nebenerwerb“ betrachtet, der ihr ein Ventil für ihre kreative Seite bietet, während sie eine Karriere als Schauspielerin anstrebt.

Der Künstler muss immer auf der Suche nach neuen Möglichkeiten sein und auch bereit sein, seine eigenen zu schaffen.
Daher hängt die Zukunft junger Künstler häufig davon ab, inwieweit Käufer, Galerien, Institutionen und digitale Räume offen für neue Perspektiven und vielfältige Stimmen sind. Die Suche nach neuen Künstlern und deren finanzielle Unterstützung ist eine Option, die allen Förderern der bildenden Künste offensteht, einschließlich Museen und Privatpersonen, die auf der Suche nach neuen Werken sind, mit denen sie ihr Heim schmücken können.

Diese Gruppe von Künstlern strotzt wie jede Generation vor ihnen vor neuartigen Konzepten und einer einzigartigen Sichtweise und gibt uns einen spannenden Einblick, wohin sich die Kunstwelt entwickeln könnte, wenn ihre jüngsten Mitglieder einen Platz am Tisch bekämen. RFX1 erklärte, dass er in seinen Arbeiten viele Sonnenbilder verwendet („Wegen der Pandemie brauchen die Menschen jetzt wirklich Hoffnung und Sonnenschein“, erklärte er) und dass er einen Trend unter den Künstlern beobachtet hat, Porträts zu malen, um durch ihre Arbeit die Liebe zu ihren Gemeinschaften auszudrücken.

Oliver hat ihr eigenes mythologisches Universum geschaffen, mit zwölf verschiedenen Drachen, von denen jeder eine bestimmte Charaktereigenschaft besitzt. Und Hernandez hat erst kürzlich ein neues Stück Performancekunst am Broad mit dem Titel Ascenxión Libertad vorgestellt. In diesem Stück untersucht Hernandez ihre Vergangenheit als Künstlerin, die früher undokumentiert, behindert und transgender war.

Kunst im Metaversum

Dean Kissick fragte sich im Dezember: „Wie würde Kunst im Metaverse aussehen?“. Vor dem Hintergrund der Umbenennung von Facebook in Meta und seiner auf das Metaverse ausgerichteten Marketingkampagne untersuchte der Essay die Vorstellungen von Tech-Unternehmen und Ingenieuren von Kunst.

Meta und andere haben die technologiebasierte Kunstproduktion und den Kunstkonsum durch die Reproduktion von Meisterwerken vorangetrieben, stellt Kissick fest. „Heute erscheint es angesichts dieser neuen Möglichkeiten wahrscheinlich zum ersten Mal in diesem Jahrhundert plausibel, eine völlig neue Ästhetik zu entwerfen“. Decentraland, die virtuellen Galerien von Sotheby’s in London, wurde diesen Sommer eröffnet.

Die in Toronto ansässige Virtual-Reality-Plattform Art Gate VR veranstaltete in diesem Jahr eine Meta-Biennale, bei der die teilnehmenden Künstler und Galerien in einer vernetzten Welt präsentiert wurden, die per Computer oder VR-Headset besucht werden konnte. Als Avatare mit schwebenden Händen und vielfarbigen Köpfen interagierten die Besucher mit den Kunstwerken und untereinander in den Galerien. Die Biennale ist kostenlos, rund um die Uhr und weltweit zugänglich.

Sie ermöglichte es Art Gate VR auch, physische und virtuelle Welten zu mischen, Ausstellungskosten zu sparen und Künstlern die Möglichkeit zu geben, neue Technologien auszuprobieren. Psychische Gesundheit, Gleichberechtigung und soziale Gerechtigkeit wurden auf der Meta-Biennale diskutiert. Diese Gespräche sind wichtig, denn wir müssen uns fragen: Wessen Traum ist das?

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